ヴィトマン兄妹が奏でるブーレーズ「Anthèmes & Dialogue de l'ombre double」技巧系ソロ曲集

Anthèmes & Dialogue de l'ombre double
ピエール・ブーレーズ Pierre Boulez, 1925-2016
(Carolin Widmann, vn.　Jörg Widmann, cl.)

指揮者の顔が印象強いブーレーズですが、作曲家としては欧エクスペリメンタリズムの隆盛期を作った前衛三羽烏の一人(他にK.シュトックハウゼン、L.ノーノ)です。
また作曲のみならず欧前衛現代音楽の拠点であるIRCAM(フランス国立音響音楽研究所)を創設し、亡くなるまで欧音楽界のドンとして君臨していましたね。

今回は前衛の停滞が叫ばれて久しい晩年の作品(1985〜1995)なので、実験的な色合いは薄くなりIRCAMのエレクトロニクスを使っていますね。この時代の代表作には素晴らしい「レポン」があるので興味がある方は是非。

演奏のイェルク・ヴィトマンは今や現代音楽界を代表する一人、演奏家・作曲家・指揮者他大活躍ですね。「サントリーホール サマーフェスティバル2018」での印象は"いつも笑顔で話が長い"そんな感じです。
その時も妹のカロリンさんがvnを担当で来日していました。お二人はブーレーズとの親交があったそうで、このアルバムは必然なのかもしれません。(二人ともこれまでにブーレーズの曲をレパートリーにしています)

■1. Anthèmes 1 for solo violin (1991)

神経質でクイックな上昇音階・下降音階、それが調性的、が走ります。ダブルストップやピチカートも先鋭で技巧的なvnソロ曲になっていますね。実験前衛的な聴きづらさは無いので、ソロコンサートなどで取り上げると受けそうです。

■2. Dialogue de l'ombre double for live clarinet and clarinet pre-recorded on tape (1985)

今で言えばライヴエレクトロニクスと言う事になるでしょう。すでに調性基軸になって、速い旋律を中心にしているのはここでも同じですね。ただエレクトロニクス(ここでは事前録音)を使った音の広がりを聴かせる様な印象です。左右だけでなく奥行き方向にも広がりますね。
反復を多用しているのもこの時代のブーレーズでしょう。基本はクイックな旋律を走らせる技巧クラリネット曲ですね。

■3. Anthèmes 2 for violin and live electronix (1995)

神経質で技巧性が高い楽曲構成はトレースされて、エレクトロニクスが一層強くなっている感じです。ステージ上の配置だけでなくライヴ・リミックスでも使っている様な複雑な音の配置や変化が進んでいますね。空間音響的でもあってIRCAMの存在を強く感じます。これが一番面白くコンサートで聴いてみたいですね。

　★試しにYouTubeで観てみる？
　　マイケル・バレンボイムのvn、エレクトロニクスはIRCAMです
　　CDのカロリンさんの方が先鋭性が高いですね

1970年台の実験前衛音楽の停滞から、それまで拒否拒絶していた反復や調性に回帰した音楽ですね。エレクトロニクスを使ってはいるものの前衛の牙が取れて行き詰まりを感じさせるのは残念です。(前衛ファンとしてはw)

ところが、それが今の時代にフィットした多様性と技巧性のソロ曲となっていているから不思議です。1940-60年代の実験前衛がブームだった証かもしれません。

二人の演奏も神経質で先鋭な音色を奏でて楽しめるアルバムになっています。でも、これを聴いて "ブーレーズってこんな感じか" と思うと全然違う, っていう事になっちゃうかも。

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野田燎さん自作自演のサックス曲集「Les Yeux Clos」不思議な浮遊感

Les Yeux Clos
野田 燎 (Ryo Noda, b.1948)

尼崎生まれ大阪音大出身のサックス奏者で現代音楽家の野田さんです。その後、米ノースウェスタン大や仏ボルドー音楽院でも学んでいるそうで、しばらくパリで活動していた様ですが現在は帰国していますね。邦楽では"能楽"とのリレーションもあり、米ではJ.ケージやP.グラスとの付き合いもあった様です。
(そして医学博士として"野田音楽運動療法研究所"なる音楽とトランポリン?!を使った医学治療・リハビリテーションの活動も行っています)

演奏者としてはアヴァンギャルドからバロック、ロマン派まで広く包括する活動で知られる様で、今回はサクソフォンのみ(ソロから4人)の作品集になります。

演奏者は野田さんの他、パヴェウ・グスナル(Pawel Gusnar), ゴルドン・トゥードル(Gordan Tudor), アンドレアス・ファン・ズーレン(Andreas van Zoelen)です。

■ Les Yeux Clos

1.Secret Garden I (for four, 2018) • 2.Zen I (for two, 2018) • 3.Kocho no Mai (for solo, 2016) • 4.Zen II (for two, 2018) • 5.Ryoanji 2 (for two, 2018) • 6.Dance Dance Dance (for solo alto sax, 2019) • 7.Midnight in Warsaw (for solo, 2019) • 8.Zen III (for two, 2018) • 9.Promenade pres d’Argenteuil (for solo, 2016) • 10.The Day of Split (for solo, 2018) • 11.Les yeux clos (for solo, 2019) • 12-14.Yume – Trois pieces inspirées des tableaux du Douanier Rousseau (for solo, 2015, "12.The Dream", "13.La Charmeuse de serpents", "14.The War") • 15.Secret Garden II (for four, 2018)

プロローグとエピローグの"Secret Garden I, II "は美しい旋律が4saxsで呼応しあう楽曲ですね。全くアヴァンギャルドさは無くヒーリング的で、ヘテロフォニーの様相も見られます。"Zen I, II, III"はスラップタンギングの曲、"3.Kocho no Mai"は邦楽和声的、"5.Ryoanji 2"はJ.ケージの変奏ver.かと思いましたが違いました 1.の2saxs ver.風ですね。

それまで抑えた音色だったのが"6.Dance Dance Dance"では大きめに鳴らしてハイテンポな流れも入ります。調性でターン音型的な旋律は同じですが、一部中東和声も感じますね。ディストーションさせた音で構成する"7.Midnight in Warsaw"、運指練習の様なハイテンポの"10.The Day of Split"、それぞれ押し付けがましい音は出しませんね。

タイトル曲の"11.Les yeux clos"は静スローの幽幻さが印象的でフルートで吹いている様な音色で入り、スラップタンギングとの併用です。珍しく一部で跳躍音階が使われていて、一番楽曲変化が大きい曲ですね。そして3パート構成17.5'の"12-14.Yume"で総括しています。

　★試しにYouTubeで聴いてみる？
　　タイトル曲"11.Les yeux clos"です

技巧と和声で練られていますが、基本は緩やかなヒーリング的音楽になっています。独特の浮遊感があるのは跳躍的な音階が少ないからかもしれません。

もしかしたら"野田音楽運動療法研究所"関係の音楽?!なのでしょうか。とても不思議なサクソフォーン・アルバムですね。

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1982 武満徹世界初演曲集：岩城宏之 & 札幌交響楽団

興味深いアルバムがいきなりDGから登場ですね。

1982 Historic Recordings
(Toru Takemitsu, 1930-1996)
Hiroyuki Iwaki, Sapporo Symphony Orchestra

本2021年「武満没後25年記念企画」のアルバムですね。演奏は武満サウンドで知られる札響、そして武満さん自らも立ち会って、指揮は初演マニアの岩城さんですから初演集になりますねw　ご本人曰く"水のシリーズ作品"だそうです。

武満さんなので今更の紹介文は割愛。晩年に近づき調性回帰の美しさを聴ける1982年作品ですから楽しみです。時代も前衛の停滞期に入って久しい時期になりますね。

1982年6月27日 札幌市民会館 「武満徹世界初演曲 札響特別演奏会」からで、2CD, 1.5時間ですが2枚目の52分は武満さんの当日の講演です。"音"に対するこだわりやJ.ケージ、調性回帰について語っていてとても面白いですが、今回そこのインプレは勿論ありません。

■1. A Way A Lone II, for String Orchestra

押しては引く様な幽幻神秘な弦楽奏曲ですね。調性動機の反復変奏的構成が存在して無調やセリエル時代からの決別は明確です。基本的にはホモフォニーで時にフーガの様に構成されます。流れの中にシェーンベルクの"浄夜"を思い起こさせる様な気配がありますね。そう言う意味では新ロマン主義的なのかもしれません。

■2. Toward the Sea II, for Alto Flute, Harp and String Orchestra
　　1. The Night - 2. Moby Dick - 3. Cape Cod

アルト・フルートとハープと弦楽オケの協奏曲です。"1. The Night"は尺八の様なflと箏を思わせる様なコンチェルトですね。バックの弦楽奏はここでも出し入れの強い流れを作っています。
"2. Moby Dick"では変化と幽幻さを増して表情やストリー性を感じる流れを作り、"3. Cape Cod"はフルートの反復とハープのコードが印象的ですね。
全体的にアンダンテ風、3パート共に終盤に現れる美しいハーモニーが武満さんらしさです。

■3. Dreamtime, for Orchestra

基本的な楽風は1. 2.と変わりませんが、管楽器が入る事で幽幻な弦楽奏が生きて来ますね。特に弦楽に絡む木管はフィットしている感じです。鍵盤打楽器や金管もキラキラとした幽幻さを演出しています。武満さんらしい透明感ある幽幻さが光る一曲ですね。ディナーミクも一番強いでしょう。

　★試しにYouTubeで聴いてみる？
　　米女性指揮者オールソップとボーンマス響の演奏です
　　こちらの方がディナーミクを抑えて透明感が強いかも

前衛が多様性時代に入ってからの調性基軸の幽幻な音楽です。今の時代のクラシック音楽の一つ流れ、その源流の様に思えますね。

確かにやや寂しくはなりましたが、前衛から調性への足掛かりともなった"カトレーン"から繋がる美しい風景は普遍ですね。

意外や最も楽しめたのは武満さんの講演だったかもしれません。実験音楽への熱い思いも語られて、札響へ愛情も伝わります。最後の質問の答えは秀逸ですね!!

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キャロライン・ショウ(Caroline Shaw)「Let The Soil Play Its Simple Part」Sō Percussionコラボ第二弾

今回インプレも米現代音楽です

Let The Soil Play Its Simple Part
(Caroline Shaw, b.1982)

グラミー賞受賞の"Orange"では少々ガッカリだった米女性現代音楽家のキャロライン・ショウですが、次の"Narrow Sea"では本ブログお馴染みのソー・パーカッションと組んで素晴らしい作品でしたね。

今回もソー・パーカッションとのコラボです。"Narrow Sea"で培われたアイディアだそうで、楽曲は基本的にはショウの作品ですが曲によってメンバーとの協業にもなっているとか。ショウのvoiceがフィーチャーされて、Textや一部楽曲はジェイムズ・ジョイスや礼拝式聖歌、そしてアバといった多岐に渡る広さです。ジャンルを超えた多様性になっている様ですね。

■ Let The Soil Play Its Simple Part
　 [1] To the Sky [2] Other Song [3] Let the Soil Play Its Simple Part [4] The Flood Is Following Me [5] Lay All Your Love On Me [6] Cast the Bells in Sand [7] Long Ago We Counted [8] A Gradual Dazzle [9] A Veil Awave Upon the Waves [10] Some Bright Morning

[1]でダークドローンにvoiceのDJサウンドが入ったりする面白さにショウのポップな歌が入ってきます。ポップベースの面白さの扉を開きましたね。[2]でもその色合いが明瞭で、Sō Percussionが刻むリズムもそのラインです。[5]はABBAの曲だそうですが一工夫、voiceが三声部になってポリフォニカルに被っていますね。[9]はエレクトロ・ノイズを挟んで、[10]は聖歌ベースにと変化を見せています。
楽器編成の音色変化を生かしながらポップと言っても一括りには出来ないのは流石です。

もう一つの流れはSō Percussionの一つの楽器とショウのvoiceとのデュオですね。[3]はスティール・ドラムとのDialogue、[7]はドラムとエフェクトしたvoiceとの、と言った個性的なサウンドになっています。

　★試しにYouTubeで観てみる？
　　[5] Lay All Your Love On Me です
　　"Don't go away"が響きます

エレクトロニクス的な音も挿みながら、楽器編成とサウンドも含めた多様性のポップ系米現代音楽ですね。反復はあっても所謂(いわゆる)ミニマル感はほぼ感じられなくなりましたし、類型的な楽曲の並びも感じられません。

いかにもN.Y.ブルックリンのポップカルチャーサウンドになってきましたね。個人的には、今の一つの流れになったのではないかと思います。(勝手な事を?!w)

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マイケル・ハリソン(Michael Harrison) の「Seven Sacred Names」というヒーリングミュージック

マイケル・ハリソン
(Michael Harrison, b. 1958)

ニューヨーク在住の米現代音楽家ですね。ピアニストで作曲家ですが、その影響は学生時代から師事したドローンw/ミニマルでヒンドゥ音楽や次数の高い倍音知られるラ・モンテ・ヤング(La Monte Young)にありそうです。

インド音楽に精通しいて、独自のハーモニックピアノ(Harmonic Piano, オクターブ24音を出す)の設計と製作しています。

その音律は調性の2倍、本人は純正律をベースにしているそうですから、平均律の様なオクターブ波長を均等割にしているのではなく高次の倍音構成なのでしょう。L.M.ヤングとの関係性の深さを感じますね。ヤング拘りのカスタムベーゼンドルファーの唯一の調律師でもあり、ピアニストとしてヤングの6時間の"The Well-TunedPiano"の唯一の演奏者でもありますから。

Seven Sacred Names

イスラム神秘主義"Sufism"をベースに…、とありますがよくわかりませんw
楽曲は霊的・瞑想的で、自分の中の隠された真実を覗き見るそうです。まぁ、インド音楽とドローンの様な音、それも純正律の美しさ、ならば何となく想定範囲の気もしますね。

ジャケットとライナーノートにはフィボナッチ数の図形が乗っています。数学的な構成要素もあるのかはわかりませんが、インドのHemachandraが音律研究で発見していますね。

演奏は Roomful of Teeth (vocal ensemble), Ina Filip (vocal), Ashley Bathgate (cello), Tim Fain (violin), Caleb Burhans (violin), Ritvik Yaparpalvi (tabla percussion) そして ピアノはご本人 Michael Harrison です。

■Seven Sacred Names (2021?)
　　1. Kalim: Prologue - 2. Hayy: Revealing the Tones - 3. Alim: Polyphonic Raga Malkauns - 4. Qadr: Etude in Raga Bhimpalasi - 5. Mureed - 6. Sami: The Acoustic Constellation - 7. Basir - 8. Kalim: Epilogue

スローのゆるい反復の1.　純正律pfソロの美しい響きの2.　インド系エレクトロニカ風の3.　pfとperc.のリズム感の4.　冷たく優しい高音域のpfとvnの5.　倍音を生かした美しいvoiceの6.　透明感あるロングトーンの7.　優しさのpfとvcの8.
いずれもスローで美しい旋律の反復で確かにミニマルw/ドローン的ですね。能力と感性不足でそれ以上の事がコメントできないのが残念です。

　★試しにYouTubeで観てみる？
　　2021-6/30のイベントの模様でハリソンの話も聞けます
　　CDよりも少しだけ抑揚を感じますね

純正律pfらしい美しい音の響き、そして緩やかな旋律反復、倍音を生かした音色、そこに聴けるのは癒しそのもののヒーリング&アンビエントです。バックグラウンドの理論がどうであれ、聴くと言うよりもかけておくお洒落BGMですね。

"Bang On a Can"のCantaloupeレーベルからのリリースで期待したのですが、個人的な嗜好方向ではありませんでした。

【追悼】ルイ・アンドリーセン(Louis Andriessen)：「Gigantic Dancing Human Machine」Bang On a Can All-Stars

先週(2021-7/1)亡くなられたルイ・アンドリーセンさんを悼み。

ルイ・アンドリーセン
(Louis Andriessen, 1939-2021)

オランダの現代音楽家L.アンドリーセンは所謂(いわゆる)欧エクスペリメンタリズムとは一線を画しますね。時代はセリエルの真っ只中だったので当初はその方向性でしたが、1970年台に米現代音楽ミニマルの影響を受け方向転換しています。そこからがアンドリーセンでしょう。

楽器編成を含めてジャズ方向、ポップや米管弦楽方向が明確でした。米アンサンブルの"Bang On a Can All-Stars"や"eighth blackbird"が楽曲を採用していたり、ロス・フィル100周年記念の委嘱も受けていましたね。

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Gigantic Dancing Human Machine
(Bang On a Can All-Stars)

そんなわけで、今回は長くリレーションのあった米音楽組織Bang On a Can(以下BOAC)のCantaloupeレーベルからリリースされた作品をインプレするのはピッタリかと。もちろん演奏のメインはBOAC All-Starsです。

1970年台のミニマル初期の作品(1. 2.)が2曲と、1990年台の楽曲1曲(3.)ですね。2.は"pan-pipes, alto saxophone, bass guitar, pianos and congas"の2編成アンサンブル。3.は本人曰く"ジャズも包括したアヴァンギャルドなミニマル"だそうですが、聴くと1.の方がそう感じるかも。

■1. Worker's Union, for chamber ensemble (1975)

基本はミニマル大御所をトレースしますが、もう少しBOAC寄りと言っていいのかもしれません。バスクラやE-ギターと言ったBOAC編成と、その個性を生かす様なジャジーなサウンドのミニマルですね。音の煌びやかさと自由度っぽさを見せるサウンドで、後半の攻撃的な流れは魅力的です。
演奏難度も高そうなハードジャジーな面白いミニマルでBOACにフィットしてますね。LIVE録音の興奮が伝わります。

　★試しにYouTubeでLIVEを観てみる？
　　こちらは"eighth blackbird"メインの演奏で、どんどんメンバーが増えてきます
　　始めから後半の様なハイテンションで中盤からは暴力的魅力で必見です!!

■2. Hoketus, for mixed ensemble (1976)

左右のチャンネルから二つのアンサンブル音が交錯します。そこに反復が繰り込まれていて三次元的な音の広がりが楽しめます。二・三音反復の様な超短旋律の反復が執拗にリズムを変えながら続きます。テンポが上がると陶酔的ミニマルになり、リズムを左右均等からずらすと不安定な面白さが発生しますね。後半に向けてテンションを上げていますが、そこだけは1.と同じです。
1.とほぼ同年代の作品ですがこちらのキーはリズムで、個性はかなり異なります。この時点でアンドリーセンがミニマルの色々な可能性を推測っていた事が感じられますね。

■3. Hout, for tenor saxophone, marimba, guitar & piano (1991)

ハイテンポで複雑な旋律を基本に変奏・反復のミニマルになっています。ホモフォニーですが、色合いの異なる旋律に聴こえる色彩感あるミニマルですね。上記2曲に比べるとミニマル本道に近い流れを感じますが、煌びやかさが光る興味深い作品です。

アンドリーセンとBOACが作り出す素晴らしいミニマルサウンドです。緊迫感や変則性、そしてカラフルさと言った異なる方向性を聴かせてくれますね。

一人の音楽家のミニマルとしては変化度が大きく、聴き応えも十分です。ミニマルに興味がある方にはオススメの一枚ですね。

オーケストラ・アンサンブル金沢 / 岩城宏之『武満徹 | メシアン | 一柳慧 | 高橋悠治』で聴く前衛全盛から停滞

懐かしいアルバムを聴いてみたいと取り出しました。

武満徹 | メシアン | 一柳慧 | 高橋悠治
(岩城宏之 cond. オーケストラ・アンサンブル金沢)

日本を代表する現代音楽の指揮者、岩城さん(1932-2006)ですね。奔放なイメージでクラシック以外でもタクトを振っている印象が残っています。日本の現代音楽の初演マニア?でしたよねw

オーケストラ・アンサンブル金沢(OEK)の音楽監督で、同楽団では日本ではあまり聞かない"Composer In Residence"を取り入れていました。海外では若手・中堅の現代音楽家がそのポジションに就いて楽曲提供している事が多いですよね。

本アルバムは岩城さん没後に、OEKから編集されてリリースされていたと思います。各作曲者はいずれもビッグネームですから、個別の紹介は無用ですね。武満さんとメシアンは前衛全盛期の、一柳さんと高橋さんは前衛停滞に入ってからの作品と言うのも面白いチョイスです。後者のお二人は今でもお元気なのが嬉しいですね。一柳さんと言うと、どうしてもオノ・ヨーコさんが奥様だった事が浮かんでしまいますが。

■1. 地平線のドーリア =武満徹= (1966)

2群17弦楽奏です。それぞれが一声部を受け持つマイクロ・ポリフォニーの楽曲で、[半音を含む4音]x2のドリア旋法のオクターヴ種を使っています。
無調の静空間にロングトーンを中心とした弦の音色が交錯します。調性回帰的な時期と相まって武満さんらしい細く美しい旋律が時折現れるのが印象的ですね。そこにドリアが使われている様に聴こえます。

■2. 異国の鳥たち =オリビエ・メシアン= (1956)

メシアン得意の鳥の鳴き声のピアノと管楽器・打楽器の曲で、代表作の一つですね。
よく飛び跳ねて、煌びやか、五つのピアノのカデンツァも鳥の動きを感じます。カラフルでキラキラとしていて、いかにもメシアンと言った感じです。ポリフォニーでの生き生きとした流れもOEKの演奏が雰囲気を上手く作っている感じです。このカラフルさをブーレーズも引き継いでいる気がしますね。

　★試しにYouTubeで観てみる？
　　コンスタンティア・グルズィ指揮のこちらの方が音が厚いですね
　　個人的にはOEKの繊細な色合いの方がこの曲にフィットしているかと

■3. インタースペース =一柳慧= (1987)

弦楽奏曲です。幽玄・神秘的で多様性時代らしいクラシック音楽ですね。調性感が強くて突飛な音階は無く、スローで暗鬱な印象が支配しています。また、動機からの変奏的な流れも感じます。

■4. 鳥も使いか =高橋悠治= (1993)

三味線をリードとして、ポリフォニーになって和の唄いが入って来ます。邦楽和声、機能和声、それぞれが混沌と組み合わされたポリ和声楽曲です。反復や行進曲のリズムも入って来ますから徹底したごちゃ混ぜ風の面白さがありますね。何でもありの、この時代の前衛現代音楽を代表しているのかもしれません。B.A.ツィンマーマンに聴かせたかったですね。

個々の作品の素晴らしさもさることながら、1956-1993と言う20世紀後半の前衛音楽の変遷も味わえる楽しい一枚でしたね。

以前は中途半端な印象だったのですが、時代が作品に追いついて来たのかもしれません。今やセリエルの呪縛から解き放たれて、モードや調性との折り合いを付けるのが前衛の主流の一つに違いありませんから。

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